Как оценить картину Размышления начинающего художника

Как оценить картину? Размышления начинающего художника

Я новоиспеченный художник и я задалась вопросом цен на свои картины. Творчество сопровождает меня в течение всей жизни и рисовать я умела всегда, училась в художке, потом на дизайне, далее стала работать в той же художке преподавателем. Год назад я купила себе масляные краски и стала рисовать. Теперь я официально называю себя, художником(цей) и ощущаю великое удовлетворение от того, что делаю.

Продажей своего творчества я занялась еще в 2022 году, тогда это были текстильные игрушки и вопрос — “а сколько стоит?”, сопровождал меня все это время. Я выбирала разные способы установки цен на свои работы, сомневалась,стеснялась, пробовала по другому. Теперь, когда я стала рисовать, и мне понадобилось устанавливать стоимость своих картин, я снова стала выяснять, что и как. С учетом тех знаний, что у меня были, вот что я могу рассказать вам:

Самый стандартный вариант, который чаще всего находится на просторах интернета — это оценивать часы, затраченные на работу + материалы * 2. Да, это рационально и вполне подходящий вариант для художников, которые только начинают продавать свое творчество и адекватно оценивают час своей работы. Хотя можно посомневаться и решить, что для написания картин, это не совсем подходит, т.к. один художник пишет картину долго, а другой быстро, мастерство художника, заложенные в сюжет идеи, не оцениваются количеством потраченного времени на работу. Я говорю о хороших художниках, которые пишут картины с пониманием базовых знаний и высоким уровнем мастерства. На данный период времени, я пользуюсь таким способом расчета стоимости картин (±), и меня он полностью удовлетворяет. Час работы я оцениваю в 500р. Но эта сумма может расти вместе с вашим опытом и востребованностью.

Очень странный способ расчета я услышала в одном видео: ширина+высота картины*2(3) = стоимость картины в €. Это европейский способ расчета стоимости. Я в сомнении на счёт использования его, а как вы считаете? Размер картины не равно качество, думаю я. Размер имеет значение, но не первостепенное.

Следующий вариант — не есть верный. Поставить стоимость картины 50 — 100 т.р., взятую просто из головы, когда ты неизвестный стране(миру) художник, да и качество картин твоих под вопросом. Это же искусство оно уникально, думаешь ты, работы великих мастеров стоят миллионы, а я поставлю стоимость, хотя бы 100000. На вкус и цвет товарищей нет, и странные картины покупают за большие деньги коллекционеры, арт-дилеры, люди увлекающиеся произведениями искусства, но значит, в этих картинах есть что-то: посыл, идея, актуальность, стиль, техника. Важно понимать, где ты продаешь свою картину (я говорю об онлайн пространстве). Так вот на всех площадках разный потребитель, и нет смысла делать свои картины условно, больше 20000. И на ярмарке мастеров, когда я вижу ценник 100000, я удивляюсь! У вас покупают, здесь,на ЯМ, картины? Если да, то это, конечно, здорово и я тоже так хочу. 🙂 На Ярмарке Мастеров я уже так давно и мне нравится здесь, я была бы счастлива, если бы у меня именно тут были регулярные продажи и заказы.

Как художнику продать свои картины дороже. Продажи картин.

Заниженная стоимость работ, тоже часто встречается. Хорошая картина нормального такого формата стоит 2000—3000 т.р., видела как-то я. Не стоит себя недооценивать, а если вы видите недостатки в ваших картинах, быстренько их исправляйте, чтобы быть увереннее в себе, и делайте адекватную цену! Анализируйте площадку продажи, смотрите, кто что рисует, кто за сколько продает. Кстати, создание коллекций очень в этом помогает! Я, когда начала делать коллекции, я так подумала: “Советуют все делать коллекции, ну ладно буду делать”, только потому, что советуют. Но в процессе я поняла, что пока ты подбираешь работы других авторов к своей коллекции, ты анализируешь, видишь своих конкурентов, можешь что-то почерпнуть полезное или увидеть недостатки в других магазинах, благодаря этому прокачать свой магазин.

Я только недавно начала продавать картины здесь, и было мало продаж, и вы можете соглашаться или не соглашаться, с тем, что я написала в этой публикации. Все это — мои размышления, и я буду рада, если вы прокомментируете и выскажитесь по поводу этой темы. 🙂

Оценка, продажа и реализация картин М. Ротко

Марк Ротко — мастер, над картинами которого рыдали

Марк Ротко (Маркус Яковлевич Роткович) родился в 1903 году в Двинске Российской империи.

До десяти лет ребенок жил на родине, но отец хотел уберечь его от еврейских погромов и царской армии, поэтому в 1913 году Марка перевезли на постоянное место жительства в США. Вскоре и без того бедная семья осталась без кормильца, что вынудило мальчика много работать и самому оплачивать свое образование.

Он с отличием окончил школу и поступил университет, но в двадцатилетнем возрасте случайно оказался на уроке рисования и с этого момента решил стать художником. Ротко перебрался в Нью-Йорк, учился в местной школе дизайна, в «Лиге студентов искусств Нью-Йорка» и погрузился в кипучую художественную жизнь города. Он входил в ряд художественных сообществ, преподавал в колледжах и университетах и, конечно, много творил.

Оказавшись под влиянием таких деятелей искусства, как Малевич, Авери, Готлиб, художник в конце концов выработал собственный стиль, принесший ему невероятную популярность. Его прямоугольники, словно парящие на плоскости холста, были легко узнаваемы и желанны многими поклонниками искусства. При этом отношение у всех было различным: одни рыдали перед его картинами, вторые украшали ими свои дома, а третьи относились с полным непониманием.

Ротко участвовал не только в известных выставках, но и организовывал свои, очень щепетильно относясь к условиям экспонирования. Порой он специально писал картины для определенных интерьеров, чтобы добиться нужного эффекта. Так были созданы полотна для часовни Ротко, ресторана «Времена года» и других заведений.

Последние годы жизни Марка Ротко были тяжелыми. В конце 1960-х годов он много пил, курил, страдал от тяжелой болезни и был вынужден перейти от крупномасштабных полотен к небольшому формату. Пережив развод и измученный болезнью, в 1970 году 66-летний художник покончил с собой, перерезав вены. Считается, что последней каплей для Ротко стало предательство близкого друга Бернарда Райе, по вине которого компания «Мальборо» должна была отобрать у художника часть его картин.

Творчество живописца

На рождение уникального стиля Ротко повлияли многие причины: знакомство с абстракционизмом, сюрреализмом, желание погрузить наблюдателя в эмоции, а не в размышления о нарисованном, и другое. Если в его ранних произведениях были вполне узнаваемые образы, то постепенно он перешел к так называемым цветовым полям.

Суть этих полей заключалась в том, чтобы изображать на холсте только прямоугольники определенного цвета. Это мог быть один или несколько прямоугольников, близких по тону или контрастных. Многие холсты занимали несколько метров в высоту и длину, заставляя мастера становиться как бы частью картины при ее создании. Того же эффекта он ожидал от зрителя, который должен был полностью погрузиться в созерцание конкретного полотна. С этой целью на выставках полотна выставлялись без рам, в залах были закрыты окна и приглушено освещение, чтобы ничто не отвлекало присутствующих от встречи с очередной картиной.

Картины Ротко буквально светились изнутри, причиной чего были самодельные краски и большое количество наносимых друг на друга слоев. Исследования показали, что художник при создании красок использовал искусственные и естественные вещества, которые способствовали их быстрому высыханию. Мастер наносил на холст до двух десятков слоев со схожими оттенками, что и давало в итоге глубокий цвет, который так поражал зрителей. Особое внимание он уделял краям своих цветовых полей.

Художника причисляли к абстракционистам, однако сам он не считал себя таковым. По его мнению, представители этого направления более всего интересовались влиянием друг на друга разных цветов, взаимодействием форм, но Ротко такие эксперименты не интересовали. Его волновали только те эмоции, которые захватывали наблюдателя в процессе взаимодействия с картиной. А эмоции эти порой были такими сильными, что зрители просто горько плакали при встрече с его картинами.

Так как окружающее пространство, по мнению художника, оказывало большое влияние на зрителя, Ротко нередко сам участвовал в проектировании помещения под свои картины. Наиболее грандиозным проектом в этом плане стала часовня Ротко — духовный храм для людей всех религий. При ее строительстве по настоянию художника пришлось сменить несколько архитекторов. А полотна для нее мастер писал в течение трех лет.

Рекорды продаж, цена картин Ротко

Хотя в течение жизни художник часто испытывал нужду и был вынужден много работать, на пике славы полотна приносили ему хороший доход. Выясним, сколько стоят картины Ротко сегодня.

Данные с крупных аукционов показывают, что сегодня работы гениального художника оцениваются не то что миллионами, а десятками миллионов долларов. На сегодняшний день он возглавляет рейтинг самых дорогих русских художников 21-го века, опередив Малевича, Кандинского, Шагала и иных мэтров авангардизма. При этом по цене рекордной продажи с ним может сравниться только Малевич. Но если у последнего есть всего одна продажа за 86 млн долларов, то в арсенале Ротко сразу пять картин, проданных в диапазоне 66-87 млн долларов. Рассмотрим три из них с самой высокой ценой продажи. Заметим, что все три холста имеют внушительные размеры по несколько метров в длину и ширину.

В ноябре 2022 года на Sotheby`s была представлена картина «№ 1 (Королевский красный и голубой)» — яркий образец оригинальной живописи художника. Это была одна из работ, выкупленная компанией «Мальборо». Холст был создан в 1954 году, в 1969 попал в галерею «Мальборо», откуда через год ушел в Вашингтон в семью Кригеров. Его неоднократно представляли на выставках Чикаго, Нью-Йорка и в других городах. Сменив еще несколько владельцев, картина оказалась на Sotheby`s, где ее выставили с эстимейтом 35-55 млн долларов. Но несмотря на такую космическую сумму полотно купили с двойным превышением нижней границы — за 75 млн долларов.

Оценка картин, обсуждение картин. Игорь Сахаров

В мае 2022 года на Christie`s представили работу «№10», созданную мастером в 1958 году. Этот холст уже относится к тому творческому периоду Ротко, который считается наиболее совершенным. К концу 1950-х году он перешел на более темную палитру, чему было несколько причин. Художник очень остро реагировал на то, что его картины заказывали в основном для украшения интерьеров. Темная палитра должна была оттолкнуть таких покупателей, хотя они были способны платить очень много. Другими причинами могут быть желание изучать замкнутое пространство и постепенно нарастающая депрессия.

На аукционе картину «№10» ожидал еще больший успех, чем «№1», ведь она ушла за 82 млн долларов.

Рекордная продажа состоялась в мае 2022 года, то есть на полгода раньше, чем уход работы «№ 1 (Королевский красный и голубой)». Тогда на аукционе Christie`s представили холст «Оранжевый, красный, желтый», созданный художником в 1961 году. Работая над этим произведением, художник хотел, чтобы зритель даже спиной чувствовал всю силу и мощь красных тонов, будто на его спине ощущалось солнце. Красный был основным для Ротко и символизировал саму жизнь, так что неудивительно его присутствие на большинстве картин художника.

На торги картину заявили с эстимейтом 35-45 млн долларов. Для многих художников все их наследие в сумме не даст таких цифр. Но для полотен Ротко и эта цена оказалась низкой, так как в итоге торгов работа «Оранжевый, красный, желтый» ушла за 87 млн долларов.

Вернемся к вопросу о том, сколько стоят картины Ротко. Изучение других продаж показывает, что довольно много его работ уходило не только за сумму более миллиона долларов, но и за десятки миллионов. В то же время есть и небольшие по цене продажи размером до 50 тыс. долларов. В основном это ранние работы, выполненные до нахождения художником своего уникального стиля. Как определить стоимость конкретного полотна, где и как продать картину Ротко, выясним далее.

Как оценить картину Ротко

В определении стоимости поможет экспертиза картины Ротко, в ходе которой эксперт может узнать многие вещи. Помимо подлинности холста в лаборатории можно определить состав красок и способы их нанесения. При исследовании по каталогам эксперт определяет все сведения о движении картины: когда и кому была продана, в каких выставках представлялась, какая интересная история с ней связана и другое. Чем больше такой информации будет найдено, тем дороже можно продавать картину. Так как многие полотна этого художника уходят за десятки миллионов долларов, то и потратиться на экспертизу стоит в любом случае.

Оценить картину Ротко можно, например, в Центре независимой экспертизы им. Бенуа.

Где и как продать картину Ротко

Вы можете представить произведение посетителям нашего сайта, заинтересованным в покупке живописи. Для заключения сделки нужно принять условия продажи, прислать нам описание и фотографии картины.

Для заказа экспертизы картины Ротко или обсуждения продажи позвоните нам по телефону: +7 (495) 969-14-05.

Оценка, продажа и реализация картин В.Л. Боровиковского

Виртуоз сентиментального портрета В.Л. Боровиковский

Владимир Лукич Боровик родился в 1757 году в семье казака в Миргороде. Семья оказала большое влияние на мальчика. Следуя семейным традициям, юноша служил в местном казачьем полку, пока не получил чин поручика. Увлечение живописью тоже было навеяно родственниками, которые возвращались со службы и расписывали иконы. Азы иконописи мальчик постиг именно у них.

В 1770-х годах работы Боровика заметил общественный деятель В. Капнист и пригласил его расписать дом, который должна была посетить императрица Екатерина II. Великой правительнице приглянулись интересные картины художника, так что она поручила ему переехать в Санкт-Петербург.

Перебравшись в Северную столицу, Владимир сменил фамилию на Боровиковский и всерьез занялся своим образованием. Поскольку он уже не проходил по возрасту в Академию художеств, то учился у мастера парадного портрета Д. Левицкого и миниатюриста И. Лампи. Последний оставил ему свою мастерскую, когда уезжал из России.

Обучение не прошло даром, так как вскоре Боровиковский покорил город своими великолепными портретами и портретными миниатюрами. В 1790-х годах он уже числился в кругу первых русских портретистов. Ему позировали известные особы, такие как Екатерина II, М. Лопухина, Г. Державин, а за портрет цесаревича Константина Павловича его отметили почетным званием академика живописи. Порой он рисовал целые семейства или царских придворных, если их внешность казалась ему примечательной.

В 1803 году Боровиковского назначили советником Академии художества, а с 1804 года он много лет проработал над образами для местного Казанского собора и Покровской церкви села Романовка. Параллельно с этим художник занимался преподаванием в собственной школе и состоял в мистических сообществах.

Скончался Владимир Лукич в Санкт-Петербурге в возрасте 67 лет. Его прах захоронили в Александро-Невской лавре.

Типы произведений художника

Камерные портреты

Хотя Владимир Лучик, сын иконописца, начинал свою деятельность с религиозной тематики и к ней же вернулся на исходе жизни, все же его талант портретиста оказался более востребованным. Даже императрица обратила внимание на начинающего художника как раз потому, что ей понравились его аллегорические портреты царских особ.

В жанре камерного портрета Боровиковский соединил модный в те годы сентиментализм и принципы классической живописи. Так родились его женские образы, полные чувственности, добродетели и мечтательности. Каждую даму он обязательно изображал грациозной, элегантной, окруженной соответствующей замыслу обстановкой. В качестве последней автор мог выбрать роскошный интерьер или интимный пейзаж, подчеркивающий характер героини.

Так, нежной и чувственной предстает перед нами Мария Лопухина, окруженная органичным пейзажем, величественной выглядит Екатерина II в роскошном царском одеянии, одухотворенной предстает княжна Мария Павловна на фоне неброского пейзажа. Сентиментализм особенно ярко проявился в семейных портретах, в которых художник на первое место выставлял духовные связи родственников.

Для получения таких результатов живописец буквально играл с мазком кисти, достигая особой его текучести или мягкости, огромное внимание уделял фактуре и прозрачности красок. Вообще в плане владения кистью он был настоящим виртуозом живописи.

ПОДДЕЛКА ИЛИ ОРИГИНАЛ? Способ №3. Как определить подлинность картины в домашних условиях?

Не менее хороши были и его парадные портреты мужчин. Боровиковскому нравилось подчеркивать в первую очередь духовную красоту человека. Особое его внимание привлекали благородные и сильные духом мужчины, достойные своих званий.

Портретные миниатюры

В эпоху сентиментализма пользовались большой популярностью не только портреты, но и портретные миниатюры, как символ интимного, того, что предназначалось для личного использования. Для их создания Боровиковский использовал медь, жесть, картон или слоновую кость, что позволяло заказчикам носить такую картинку с собой. Их вставляли в медальоны, носили в футлярах или табакерках. К числу лучших работ художника в этом жанре относится портрет В. Капниста. Позже живописец использовал техники миниатюрного письма и в традиционных портретах.

Рекорды продаж, цена картин Боровиковского

Большая часть работ художника находится в крупных музеях и лишь малая толика сохраняется в частных руках. Поэтому каждое появление его полотен на аукционах является значительным событием. Определить, сколько стоят картины Боровиковского, нам помогут аукционные данные.

Начнем с портрета Ардалиона Петровича Новосильцева, выставленного на Sotheby`s в 2022 году. Впервые работа была продана здесь же в 1995 году. Несмотря на то, что холст не имел документального подтверждения о том, что его выполнил Боровиковский, экспертам не составило труда определить авторство. Дело в том, что именно Боровиковский рисовал остальных членов семьи Новосильцевых. Сохранились портреты супружеской четы и троих их сыновей. По своему размеру и стилю эти холсты были идентичны данной работе, так что вполне разумно наличие портретов других сыновей, коих в семье было шестеро.

На июньских торгах 2022 года портрет выставили с эстимейтом 0,8-1,2 млн фунтов, а ушел он за 869 тыс. фунтов (1,3 млн долларов).

Но настоящим событием стало появление на торгах Christie`s сразу пяти шедевров Боровиковского из коллекции И. Оболенского — потомка князя Сергея Оболенского. Именно эти пять портретов князь приобрел для своей коллекции. Позже все они переходили по наследству, пока их не выставили на аукцион 2 июня 2022 года. Рассмотрим наиболее крупные из этих уходов.

Первым в этом списке будет портрет адмирала Г.Г. Кушелева и его детей. На этом холсте запечатлен граф Кушелев с двумя его сыновьями от второго брака Александром и Григорием. Как полагали традиции того времени, адмирал позировал в парадном одеянии при всех своих наградах. На Christie`s портрет выставили с эстимейтом всего 50-70 тыс. фунтов, однако в ходе торгов цена взлетела во много раз и достигла 1,5 млн фунтов стерлингов (2,5 млн долларов).

Как оценить картину художника любителя?

Не меньший успех ожидал и портрет князя Лопухина (холст был продан через несколько лотов после представленного выше). Члены влиятельной семьи Лопухиных охотно позировали для Боровиковского, так что художник нарисовал практически всю семью. В двадцатом веке картину несколько раз представляли на выставках в разных городах. На торгах Christie`s при скромном эстимейте 40-60 тыс. фунтов портрет ушел за 2,1 млн фунтов (3,6 млн долларов).

Но самая большая битва развернулась за портрет графини Л.И. Кушелевой. В те годы Любовь Ильинична считалась самой богатой невестой России, унаследовавшей от отца графа Безбородко огромное состояние. В 1799 году она вышла замуж за адмирала Кушелева, портрет которого мы обсуждали выше, и родила ему двоих сыновей. На торгах картина имела оглушительный успех. В ходе борьбы участников аукциона начальная цена 50-70 тыс. фунтов выросла в 60 раз по нижней границе и достигла почти 3 млн фунтов (5 млн долларов)!

Вернемся к вопросу о том, сколько стоят картины Боровиковского. Мы привели лишь несколько примеров уходов его произведений, но скажем в общем, что стоят они дорого и высоко ценятся на аукционах. Далее мы разберем, как провести экспертизу, где и как продать картину Боровиковского.

Экспертиза и продажа картин Боровиковского

Как оценить картину Боровиковского

Несмотря на то, что произведения художника редко появляются на торгах и уже по этой причине могут претендовать на высокую цену, рекомендуется для конкретной картины проводить экспертизу. Удостоверение экспертом подлинности произведения, изучение его состояния, приемов создания, исследование по каталогам поможет увеличить ценность холста, что отразится и на его стоимости. Профессионально оценить картину Боровиковского помогут в Центре научной экспертизы им. Бенуа.

Где и как продать картину Боровиковского

Вы можете продать произведения художника на площадке «Лермонтов». Чтобы продавцу живописи не нужно было самому искать таких заказчиков, которые способны купить дорогую картину, мы собрали их в своей галерее. Наш сайт регулярно посещают ценители живописи, так что ваш холст будет представлен широкому кругу заинтересованных лиц (изучить условия продажи).

Для ускорения продажи рекомендуем прислать не только фотографии картины, но и детальное описание, в котором отразить всю значимую для покупателя информацию (провенанс, ценность картины, стиль, приемы художника и другое).

Чтобы заказать экспертизу картины Боровикова или обсудить особенности продажи, позвоните нам по телефону: +7 (495) 969-14-05.

Как продавать картины художнику, если он любитель

Приветствую вас друзья и читатели сайта!
Думаю, что каждый художник мечтает о признании и успехе. Ведь по сути, он для того и пишет картины, чтобы творчески реализоваться в живописи, найти своих почитателей, покупателей и заказчиков. Как говориться «По настоящему счастлив тот творец, который занят любимым делом, и еще умеет зарабатывать на нем». Несомненно, помимо радости и удовлетворения, хочется материального вознаграждения за свой труд! Ничто так не вдохновляет художника, скажу я вам, как востребованность его творчества))

В статье разговор пойдет о том, как и где продавать картины начинающему художнику и любителям творчества.

Всем художникам без исключения, и даже начинающим, знакома ситуация, когда картин становится все больше и больше. Часть можно подарить друзьям и знакомым, но, как правило, многие задумываются о продажах! Тем более, что у плодовитого художника картин становиться больше и они накапливаются.

История живописи знает много ярких примеров, когда художники-любители или самоучки становились очень известными и даже коммерчески успешными. Об этом вы можете почитать в моей специальной статье. Тем не менее не так все просто было и у них… Как говорится, большой путь начинается с маленьких шагов))

Можно заявить о себе в социальных сетях, выставить фото картины, с комментарием, что картина продается. Можете указать цену сразу или написать в личные сообщения человеку, который заинтересовался вашей работой. Пожалуй, самая известная сеть, где художнику удобно продавать свои картины, это инстаграм. А еще пробуйте выставлять свои работы ВКонтакте или Фейсбуке, рассказывайте о своем творчестве и находите друзей по интересам.

Практически в каждом городке, вероятно, и там где вы живете, проходят выставки живописи, где можно продать картины начинающему художнику. Такие мероприятия проводят краеведческие музеи или библиотеки, а еще они могут быть приурочены к какому-либо общегородскому мероприятию. Используйте все возможные шансы!

Где ещё продавать картины начинающему художнику?

Пробовать бесплатные сайты для продажи картин и хенд-мейд изделий. Для первой ступеньки подойдет интернет площадка Ярмарка Мастеров или Galerix/ Галерикс. Например на сайте Галерикс есть возможность просто сделать портфолио художника, а также общаться с коллегами, комментировать других, смотреть статистику просмотров ваших картин. Также существуют опции для продажи живописи. Это абсолютно бесплатный ресурс, который не берет проценты за продажу.

Если вы новичок в интернет- продажах, то регистрация на сайтах вас очень мотивирует! Уже через несколько дней ваше имя будет находится в поисковиках, что не может не радовать начинающего художника.

Обратить внимание на разнообразные онлайн-галереи. Сейчас много площадок для продажи предметов искусства, найти их будет не сложно. Например онлайн сервисы — Oilyoil, Vernissage 365 и онлайн аукцион Artlot 24. Для регистрации и создания своего аккаунта много времени не потребуется. Потом просто постепенно и регулярно добавляйте работы, описание и цены за ваш труд. Вот и все, остается только ждать покупателя или заказчика.

Только не забывайте внимательно читать условия и правила продажи картин, чтобы избежать неприятных последствий.

А где художнику продавать картины, если он желает расширить покупательскую аудиторию?

Обратить внимание на англоязычные интернет площадки как Etsy, Artfinder, Artsy. Для примера расскажу про «Etsy» (Этси), потому что уже немного знакома с этой платформой. Совсем недавно я решила открыть свой онлайн магазин живописи.

Это американская площадка для хенд мейд мастеров и художников. Огромный простор для популяризации себя, потому что привлекает людей со всего мира. По моим наблюдениям, помимо профессиональных художников, большую часть рынка занимает любительское творчество. Основное направление Этси — товары ручного труда, и живопись в том числе. Прекрасный шанс показать себя в более широком масштабе.

О коллекционировании живописи. Оценка картины.

Главная страница моего магазина на Этси

Регистрация на Этси бесплатная, за размещение одной картины/объявления/ придется заплатить 0,20 доллара за 4 месяца. На самом деле это не очень дорого. Вы можете изменять ключевые слова, название и фото картины, редактировать объект на свое усмотрение. А затем надо вновь сделать проплату. Кроме этого, площадка взымает около 5% за каждый проданный товар. Для сравнения хочу заметить, что большинство арт-галерей в случае продажи картин берут намного больше, от 15 до 40% от стоимости.

Но как и везде, тут есть подводные камни:

  • Огромная конкуренция. Что и говорить, если здесь собрались живописцы со всего мира и у каждого есть что рассказать зрителю.
  • Невысокая стоимость работ. Думаю, это явление вследствие большой конкуренции.
  • Разный менталитет покупателей и другие вкусы. К примеру, в вашей родной стране обожают классические цветочные натюрморты, а американский покупатель чаще всего предпочитает абстрактную или пастозную живопись
  • Если вы не владеете английским языком, вам будет сложно делать описания товаров и общаться с покупателями. Тем не менее это не повод отказываться от идеи продаваться для англоязычной аудитории. Например, можно делать переводы через гугл переводчик. Правда переводы бывают не точными, но это лучше чем ничего))
  • Ведение магазина на Этси требует значительных затрат времени, к чему тоже надо быть готовым.

Вопрос: как продавать картины художнику, если его мысли постоянно в творчестве, а не в бизнесе?

Я бы посоветовала делегировать продажу специальному человеку. Ведь не зря А.С. Пушкин писал: «В одну телегу впрячь не можно коня и трепетную лань». Проще говоря, погружение в бизнес, изучение рынка и других коммерческих вопросов могут совершенно развеять вдохновение и желание творить!

Вопрос: как выставить на всеобщее обозрение свое творчество, как продавать картины художнику- любителю, если натура ранимая и впечатлительная. Вот художник размышляет: мои работы недостаточно совершенны, а вдруг никому не понравятся,… или напишут в комментариях что-нибудь неприятное….. Я знаю случаи, когда неуместная критика совсем отбивала желание выставлять живопись напоказ.

На этот случай у меня есть рекомендации для ранимых творческих натур:

  • Не принимайте близко к сердцу негативные комментарии. Критикуют всех, и даже великих художников. Это как про болезни, все знают, как лечить, но продолжают оставаться больными
  • Избавьтесь от мыслей, что ваши работы «не дотягивают» до совершенства и купить их никто не захочет. У каждого товара есть свой покупатель.

На заметку: до совершенства «не дотягивали» многие писатели, актеры и музыканты. Например, французский писатель Александр Дюма-старший не был совершенен в своем жанре, как утверждают литературные критики. Но…. как умело он вел исторический сюжет и увлекал читателя до конца! Все мы помним историю о трех мушкетеров или графа Монте Кристо))

  • Освободитесь от стереотипа, что продавать стыдно и неудобно. Вы тратите материалы, свое время и душевные порывы, а это должно оплачиваться.
  • Талант и вдохновение бесценны. Поэтому неважно, есть у вас специальное образование или вы любитель, сколько лет или месяцев вы занимаетесь творчеством. Вы имеете право показывать свое творчество и предлагать его людям.

Писать о том, как и где продавать картины можно много, скажу, что теория должна заклепляться практикой. Как говориться, узнали что то и сразу применили на деле….

Итог: начните с малого, постепенно увеличивая новые площадки. Не бойтесь критики, она есть всегда)) Не забывайте, сильно бьют тех, кому завидуют!

Буду рада, если вы в комментариях поделитесь своим опытом продажи живописи. Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества похожих, сохраните ее себе в закладках. Она всегда будет у вас под рукой в нужный момент.

Видео о том, как я пишу большие картины

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Как оценить картину? Размышления начинающего художника

Любой, кто собирается заняться масляной живописью, непременно впадает в ступор при виде сотен разнообразных красок, стройными рядами выстроившихся на прилавке магазина. Купить их все сразу он просто не в состоянии, но к счастью это и не нужно.

Для того чтобы написать любую картину, достаточно иметь всего четыре краски!

Кроме них вам понадобятся белила, с которых я и начну.

Белила

Спрашиваете, почему я сказала «достаточно иметь всего четыре краски» , а сама тут же добавляю пятую?

Все просто! Белила – это по сути не краска, а что-то вроде разбавителя, позволяющего менять светлоту (и иногда оттенок) остальных красок и их смесей. В чистом виде белила (в картине, не в грунтах!) художники используют очень редко и в очень ограниченных местах, например в бликах. Тем не менее, белила — самая расходуемая краска.

Белила бывают двух видов:

  • Белила титановые. Я покупаю разные титановые белила – в зависимости от того, что есть в магазине. В последнее время пишу импортными белилами PEBEO, если их нет, беру белила «Гамма» фирмы «Московская палитра», белила «Мастер-класс» фирмы «Невская палитра», неплохи и белила «Сонет» этой же фирмы. Титановые белила являются основными для меня, хотя некоторые художники их не любят.
  • Белила цинковые. Я использую их лишь иногда и в основном при лессировочном письме, поскольку они более прозрачны. Предпочитаю брать подольские цинковые белила.

Чем они отличаются друга от друга? Вкратце, титановые белила очень укрывисты и имеют теплый оттенок, цинковые более прозрачны, а их оттенок – холодный.

Кроме того, обращайте внимание на маркировку светоскойкости, которая помечается на тюбиках звездочками. Прочие краски делятся на малосветостойкие, среднесветостойкие и светостойкие. Но для белил эта маркировка обозначает другую характеристику, хотя суть та же – изменение цвета со временем:

  • * – сильножелтеющие;
  • ** – среднежелтеющие;
  • *** – нежелтеющие.

То есть, чем больше звездочек, тем выше гарантия, что ваша картина не пожелтеет со временем.

А теперь перейдем к цветным краскам. Но прежде чем указать, с каких красок вам лучше всего будет начать, я немного углублюсь в теорию.

Почему масляные краски называются масляными

В ответ на это вопрос я обычно слышу: «Потому что их разводят маслом», а многие мотивируют это так: «Акварельные краски вон разводят водой, потому они и «аква», то есть «вода». как аквариум. «

Ответ кажется логичным, но в корне неверен – разводить (точнее, разбавлять, делать пожиже) масляные краски нужно не маслом — я, например, при «жидкой» живописи использую пинен, а в нем масло даже не ночевало. Но чаще всего я использую так называемый тройник, который я составляю сама – масло в нем есть (льняное), но кроме него я добавляю туда пинен (скипидар, добываемый из смолы сосны) и даммарный лак. Всего поровну, но в жаркую погоду, я беру пинена побольше, так как он быстро испаряется. А если учесть, что даммарный лак сам по себе на две трети состоит из пинена (им разведена смола тропического дерева даммара), то получается, что и мой тройник в основном состоит из пинена.

По сути для разбавления масляных красок достаточно использовать только даммарный лак, но он сохнет очень быстро, а потому я к нему добавляю еще и льняное масло, чтобы замедлить высыхание краски.

Если же вы возьмете чистое масло, результат вас вряд ли порадует. Помните оконные рамы, окрашенные горе-малярами? На них вы видите подтеки, которые сморщились. Произошло это потому, что масло высыхает очень медленно, в результате под высохшим наружным слоем краски образуется как бы масляный пузырь. По мере «высыхания» (испарения) масла, этот пузырь съеживается. Вот так же будет выглядеть и ваша картина после высыхания.

Чистое масло можно использовать только для жиденьких мазков и только в последнем слое. Причем, нижние слои перед нанесением таких мазков должны высохнуть. Иначе масло впитается в эти нижние слои, и мазки пожухнут (станут тусклыми, не блестящими).

Итак, краски называются масляными не потому, что они разводятся маслом, а потому, что они содержат масло. Масло в них связывает сухой цветной пигмент, как бы обволакивая каждую его частичку, что и делает краску такой аппетитной на вид. Не зря же сочную масляную живопись называют вкусной живописью.

Однако краска состоит не только из масла и пигмента.

Как делают масляную краску

Любая краска – это смесь пигмента со связующим, а не с растворителем. Связующее называется так потому, что оно связывает сухие частички пигмента и удерживает их как в момент, так и после нанесения краски на что-либо, например холст, не давая пигменту осыпаться.

Например, та же самая акварель, которая растворяется водой, не содержит в себе воды. Она состоит из точно таких же частичек пигмента, что и масляная краска, но связываются они не маслом, а растительным клеем (декстрином или гуммиарабиком). Помимо того, в акварельную краску добавляют пластификатор, то есть то, что делает краску пластичной. Обычно это глицерин, мед (помните медовую акварель?) или фенол. Но вернемся к масляным краскам.

Связующее масляных красок содержит следующие компоненты (не всегда все и не только эти):

  • Масло – маковое, сафлоровое, ореховое или специально обработанное льняное.
  • Воск – для придания пластичности, добавляется только к некоторым пигментам, например ультрамарину.
  • Природная смола (даммара, мастикс) — повышает яркость и чистоту цвета после высыхания.
  • Добавки, повышающие стойкость красочного слоя (пинен, бальзам, мастикс).
  • Природный загуститель – делает краску пастозной, то есть обеспечивает сохранность формы мазка.

Эти компоненты в разных пропорциях сплавляются с нагретым маслом до получения однородной массы, которая и является связующим. Роль связующего в масляных красках очень велика, поэтому его производство требует большого мастерства. Только крупные комбинаты с высокоточным и высокопроизводительным оборудованием могут создать качественное связующее.

Затем это связующее смешивается с пигментом и перетирается в краскотерочных машинах. Смесь перетирают до тех пор, пока размер частиц в готовой краске не достигнет определенной величины. Этот процесс очень длительный (несколько дней) и повторяется многократно – для разных красок число перетиров различается и доходит до 30-40.

Теперь немного о самих пигментах.

Пигменты

Как видите на фото справа, пигменты имеют вид порошка. Однако порошок в готовом виде можно получить только для минеральных пигментов, порошок же из органических пигментов создают искусственно: берут минеральный порошок белого цвета, например мел, каолин или гипс, пропитывают его раствором пигмента, а затем выпаривают жидкость и получают порошковый органический пигмент.

Помимо деления пигментов на минеральные и органические их также делят на природные и искусственные. Природный пигмент добывается из земли, растения или животного, а искусственный получается путем химических реакций.

Одной из самых древних искусственных красок, были свинцовые белила, получаемые путем окисления свинца крепким уксусом. Потом появились цинковые белила, а позже — титановые. Искусственными являются и кадмиевые краски, например кадмий желтый, который в смеси с ультрамарином дает красивые зеленые цвета. Сам ультрамарин когда-то был природного происхождения и делался из размолотого в порошок лазурита, полудрагоценного камня синего цвета, а потому был невероятно дорог. Но позже его заменил искусственный ультрамарин.

Фактически многие краски современной палитры являются искусственными, из числа естественных остались только так называемые земляные пигменты: охры, сиены и умбры, а также некоторые марсы. Все остальные краски – искусственного происхождения, особенно органические (ранее добывавшиеся из растений, моллюсков и червячков), такие как краплаки, голубая и зеленая ФЦ, тиондиго розовая и черная.

Внимание! Не путайте искусственные краски с имитирующими (аналогами)! Первые просто отсутствуют в природе в чистом виде и получаются путем прокаливания земляных красок или с помощью химических реакций. Вторые же являются своего рода «подделкой» ряда как природных, так и искусственных красок, пигмент которых стоит очень дорого. Например, соли кадмия и кобальта – это очень-очень дорогие пигменты, а потому в дешевых сериях красок их заменяют органическими пигментами. Аналоги не так сочны и прочны, но зато дешевы. Однако за дешивизну приходится расплачиваться качеством.

Классы красок

Готовые масляные краски принято делить на три класса:

  1. Высокохудожественные.
  2. Студийные.
  3. Эскизные.

Санкт-Петербургский завод художественных красок «Невская палитра» выпускает краски всех трех классов. И хотя краски этого завода намного дороже красок московской фирмы «Гаммы» (сейчас «Московская палитра»), я, попробовав краски обоих компаний, убедилась, что краски «Невской палитры» стоят тех денег, которые я за них плачу. К тому же, «Гамма» выпускает краски только двух первых классов. Поэтому далее я опишу классы красок на примере серий красок «Невской палитры».

Высокохудожественные краски – идеальны для художников, которым не безразлично качество получаемой картины. То есть это профессиональные краски. При их изготовлении используются высококачественные масла и высококачественные натуральные пигменты, включая соли кадмия и кобальта. Наполнители в эти краски добавляются в очень ограниченном количество.

Очевидным преимуществом этих красок является их высокое качество, а их существенным недостатком – их высокая цена.

К этому классу, как вы видите по логотипу слева, относятся краски серии «Мастер-класс»*. Подавляющее большинство пигментов, применяемых для изготовления красок этой серии, получают при высоких температурах путем прокаливания (например, кадмиевые, кобальтовые, железо-окисные). Кроме того, в ней широко используются натуральные земляные пигменты. Такие пигменты чрезвычайно стойки химически, а потому краски на их основе отличаются высокой светостойкостью. Названия красок серии «Мастер-класс», за небольшим исключением, соответствуют названиям пигментов, входящих в их состав и определяющих их цвет.

Краски этой серии используются даже для реставрации старинных картин, так как не меняют свой тон и цвет после высыхания. Более того, краска неаполитанская желтая из этой серии была специально создана по заказу Государственного Эрмитажа, когда понадобилось отреставрировать картину Рембрандта «Даная». Золотой дождь, осыпающий Данаю, был восстановлен именно с помощью этой краски.

* В красках «Гаммы» (Московской палитры) к этому классу относится серия «Старый мастер», которая уступает «Мастер-классу», но зато стоит дешевле.

Студийные краски – хороши для выполнения эскизов, набросков и тому подобного. Изготавливают их на основе высококачественного льняного масла, но кадмиевые и кобальтовые пигменты, которые используются в более качественных красках, заменены имитирующими их пигментами (аналогами – потому на российских красках они маркируются буквой «А»). Аналоги кадмиевых и кобальтовых пигментов имеют относительно высокое качество, максимально приближены к натуральным и обладают достаточно высокой светостойкостью и укрывистостью, но все же уступают высокохудожественным. Итак, студийные краски существенно хуже высокохудожественных красок, но зато стоят намного дешевле последних.

АВИТО / Продажа картин на авито / Где продавать картины

Для примера, 46-мл тюбик кадмия желтого светлого (№200) в серии «Ладога»* (с имитацией кадмия) стоит 136 рублей, а такой же тюбик этой краски в серии «Мастер-класс» (с натуральным пигментом) стоит 287 рублей, то есть более чем в два раза дороже.

Кроме того, остальные пигменты и связующее в красках этого класса также уступают по качеству пигментам высокохудожественных красок.

Чтобы убедиться в этом, давайте опять сравним одну и ту же краску серии «Ладога» и «Мастер-класс», но на этот раз возьмем ультрамарин светлый (№501). 46-мл тюбик «Мастер-класса» стоит 224 рубля, а такой же тюбик «Ладоги» – 172 рубля. Разница хоть и не столь большая, как в предыдущем случае, всего 25%, но все же существенна, если вы захотите накупить десяток или два разных красок, как обычно делают новички, например, я когда-то.

* В красках «Гаммы» (Московской палитры) к этому классу относится серия «Студия».

Эскизные краски — подходят для выполнения недолговечных работ, например для учебных работ в художественной школе (поэтому их еще называют учебными красками) или для оформительских работ, где важен не цвет краски, а малая себестоимость результата. В основном эти краски изготовлены на основе недорогих пигментов и содержат большой процент наполнителей и масел. То есть в них самой краски фактически очень мало — так же как в обезжиренном молоке мало молока. Таким образом, эти краски еще хуже высококачественных красок, чем студийные, но зато и стоят еще дешевле, чем студийные.

Краски этого класса обычно вообще не содержат кадмиевых и кобальтовых красок, а потому сравнивать их с красками других классов очень трудно. Поэтому возьмем для примера белила титановые (№ 101) опять же в тюбике 46 мл, которые есть во всех трех сериях «Невской палитры» и получим:

  • Мастер-класс – 164 руб.
  • Ладога – 136 руб.
  • Сонет — 119 руб.

Более того, краски серии «Сонет» вообще продаются по одной цене — 119 руб., что говорит о многом. В то время как цена красок «Ладоги» колеблется (в зависимости от цвета, то есть пигмента) от 136 до 179 руб., а красок «Мастер-класс» — и вовсе от 160 до 496 руб.

Как ОЦЕНИТЬ картину чтобы ее купили. ПРОДАТЬ КАРТИНУ

Самыми дорогими красками являются кобальтовые краски, так что если бы мы при сравнении красок «Ладоги» и «Мастер-класса»взяли их (то есть 179 руб. против 496 руб.*), то разница в стоимости тюбика была бы почти трехкратной.

* Все цены для сравнения я взяла в интернет-магазине «Этюд» по состоянию на начало июня 2022 г. В других местах они могут быть чуть дешевле или чуть дороже, но разница между красками разного класса останется практически той же.

Как видите, хорошие краски обходятся дорого, а качество тех, что подешевле, существенно хуже. Что же делать? Ведь хочется писать картины высокохудожественными, а не студийными или, тем более, учебными красками, но кошелек-то не бездонный. Тяжелая ситуация, но выход из нее есть. И он очень прост.

Купить только четыре краски!

Вы просто покупаете всего четыре профессиональные высокохудожестенные краски серии «Мастер-класс», тем самым экономя за счет количества, а не качества .

Более того, вы даже остаетесь в приличном выигрыше, поскольку купив всего четыре краски и работая только ими (если не считать белила), вы избегаете покупки десятка-другого красок, подавляющую часть которых вы полностью израсходуете только через несколько лет, а деньги на них потратите сейчас.

Итак, вам нужно купить следующие четыре краски (серии «Мастер-класс», как я уже сказала):

  1. ██ Кадмий желтый светлый – № 200.
  2. ██ Краплак розовый прочный – № 338.
  3. ██ Ультамарин светлый – № 501.
  4. ██ Марс коричневый темный прозрачный – № 404.

Чтобы вам было легче подобрать эти краски и оценить их цвет, посмотрите, как выглядят мазки ими.

Всего 4 краски из почти 80 красок этой серии!

Чувствуете экономию? Нет. Тогда гляньте на цветовую карту масляных красок этой серии, чтобы увидеть ее наглядно. Выбранные мною краски я обвела, но даже несмотря на это, они теряются среди множества других.

Кстати, чтобы безошибочно купить именно эти краски, а не похожие на них, используйте их номера, которые я указала выше и которые вы видите на цветовой карте справа. Идеальным будет, если вы распечатаете ее на цветном принтере и возьмете с собой в магазин. Это поможет вам избежать покупки не той краски только потому, что вы забыли ее точное название или ошиблись с цветом.

При выборе именно этих красок я воспользовалась советом Игоря Сахарова — мне надоело выдавливать на палитру десяток, а то и два красок, а потом путаться в них, пытаясь сообразить, как получить нужный цвет.

Это меня мучило даже больше, чем трата денег — мой муж ни разу меня не упрекнул за то, что я купила очередной тюбик краски или кисточку, хотя может запросто отругать за покупку чего-нибудь другого, не связанного с живописью, даже если это другое обошлось намного дешевле.

Но и это еще не самое страшное — при наличии множества великолепных красок инстинктивно возникает желание получить смесь из большего числа красок, чем это нужно на самом деле.

Смешаешь три-четыре краски, посмотришь на палитру и подумаешь: «Надо бы добавить еще вон ту, чтобы оттеночек получить. и еще вон ту. и вон ту. «»

А в результате цвет получается мутным, грязным, хотя по отдельности каждая краска сияет и буквально просится на холст.

Опытные художники утверждают, что нельзя смешивать более двух-трех, максимум четырех-пяти красок. И я это знаю, но соблазн часто оказывается сильнее разума, а результат порой просто удручает.

Конечно, я не отказалась от многоцветия, которое дают некоторые очень хорошие краски, но в основном я использую те, что перечислила выше.

Маркировка цветных красок

Цветные краски, как я уже сказала, маркируются по классу светостойкости (то есть длительности сохранения цвета в музейных условиях):

* – малосветостойкие краски (10-25 лет);
** – среднесветостойкие краски (25-100 лет);
*** – светостойкие краски (100 лет и более).

Если вместо звездочки (*) стоит кружочек (о) или вообще ничего не стоит, то такая краска держится не более 10 лет.

Но есть у цветных красок и еще одна характеристика — укрывистость (или прозрачность), на тюбиках она маркируется с помощью квадратика:

  • – укрывистые краски;
  • – полупрозрачные краски
  • – прозрачные краски.

На импортных красках и некоторых отечественных эта маркировка может быть несколько иной — квадратик делится пополам не по вертикали, а по диагонали и вводится понятие полуукрывистой краски, которая обозначается так , а полупрозрачная краска при этом метится вот так . Но я, честно говоря, не понимаю, чем полуукрывистая краска отличается от полупрозрачной. Напоминает определение пессимистов, которые видят наполовину пустой стакан молока там, где оптимисты видят наполовину полный стакан. ))

Художники же обычно используют для прозрачности свою терминологию. Для них:

  • укрывистая краска – это корпусная краска;
  • полупрозрачная краска – это полукорпусная краска (или полулесировочная, что одно и то же);
  • прозрачная краска – это лессировочная краска.

Чтобы вы поняли смысл этого деления:

  • Корпусная (укрывистая) краска полностью блокирует цвет высохшей краски, лежащей под ней. То есть если вы положите корпусную желтую поверх синей, вы получите желтый мазок.
  • Полукорпусная краска примерно наполовину прозрачна. То есть в случае предыдущего сочетания красок вы получите зеленый цвет.
  • Лессировочная же краска настолько прозрачна, что будучи наложенной на предыдущий слой, она просто слегка изменит оттенок лежащих под ней мазков. То есть наш синий после наложения желтой получит зеленоватый оттенок.

Поэтому лессировочная краска часто используется при лессировке для придания нужного цвета участку серого тонального подмалевка (гризайли). В этом случае вы получите тот цвет, который накладываете, но его светлота (тон) будет зависеть от яркости подмалевка. Там, где он белый, краска будет выглядеть светлой, там, где на подмалевке светло-серый участок, краска будет выглядеть темнее, на темно-сером – еще темнее, а на черном – и вовсе почти черной.

Это свойство я также использую при создании многослойной многоцветной имприматуры. Прозрачность краски мне позволяет получать очень эффектные, я бы даже сказала – мистические имприматуры. Смотрите пример такой имприматуры в моей статье Что такое имприматура.

Однако при смешении красок на палитре вы вряд ли заметите разницу между прозрачной и укрывистой краской, хотя при нанесении этой смеси на холст разница все же будет видна. Отмечу также, что прозрачность краски не абсолютна — чем толще ее слой и чем гуще она, тем она менее прозрачна, тем больше своего цвета вносит в нижележащий слой. А начиная с некоторой толщины мазка, она и вовсе перекрывает все, что под ним. Поэтому ее спокойно можно использовать в живописи аля прима, при которой используются толстые и густые (пастозные, как говорят художники) мазки.

Наши четыре краски имеют следующие показатели:

  1. ██ Кадмий желтый светлый: ***
  2. ██ Краплак розовый прочный: **
  3. ██ Ультамарин светлый: **
  4. ██ Марс коричневый темный прозрачный: ***

Пигменты лессировочных красок прозрачны сами по себе и придают слою краски ощущение глянца и глубины. Корпусные же краски пропускают свет, только если их сильно разбавить, но ощущения глубины при этом все равно не достигается. Лессировочные краски почти не теряют насыщенность при смешивании, корпусные же быстро сереют — если смешать сильно различающиеся цвета. Старые мастера предпочитали прозрачные краски, отсюда та самая мистическая глубина цвета в их картинах, часто упоминаемая искусствоведами. На палитрах же импрессионистов, наоборот, все краски, за исключением ультрамарина, были корпусными, так как они всегда клали мазки отдельно друг от друга, стараясь их не смешивать, поскольку заводские краски того времени, как раз и породившие массовый выход на природу и сам импрессионизм, при смешивании давали грязь.

Калькуляция шедевра. Экспертная оценка картины. Искусствовед Владимир Васильев. #SPBmfX

Смешивание красок

Попробуйте составляйте смеси этих красок самостоятельно. Смотрите, что у вас получается в результате, смело экспериментируйте.

Как оценить картину? Хорошая или плохая живопись? Художник Ревякин оценивает свои картины.

Что хочу сказать. При составлении смесей белила по возможности добавляйте в последнюю очередь, вначале – цветные краски, потом белила, хотя потом по желанию можно добавить еще цвета.

К примеру, нужен алый – возьмите розовый (краплак) и чуть-чуть жёлтого (кадмий). Чуточку-чуточку.

Зеленый можно получить разными смешениями, но я в основном использую ультрамарин, кадмий желтый и марс коричневый. И в конце добавляю белила, чтобы получить разную степень светлоты.

Используйте разные их пропорции в зависимости от того, какой именно зеленый цвет вы хотите получить. Возьмете больше синего (ультрамарина), тогда зеленый будет холодным. Положите больше кадмия желтого – и зеленый станет более теплым. Синий с жёлтым даст вам один оттенок зеленого, а добавив коричневый (марс), вы получите уже другой его оттенок.

Великолепный черный получается от смеси синего с коричневым, можно добавить чуток красного. Так что черная краска (у вас наверняка в голове промелькнуло «а черный как же?!») вам просто не нужна!

Подробнее о том, как смешивать эти краски, чтобы получить тот или иной цвет, я рассказываю в статье Краски. Как смешать.

Нужны ли другие краски

В принципе, этих красок достаточно, чтобы написать любую картину * . Этими красками (в основном) написаны все мои последние картины, которые вы можете увидеть на этом сайте. Но иногда я добавляю к ним другие краски, когда мне требуется получить какой-то, цвет, которого сложно добиться простым смешиванием этих красок.

Однако добавление новых красок требует опыта, и когда я это делаю, я точно знаю, что именно я получу, а также какие краски нельзя смешивать друг с другом, чтобы они не разрушились или не дали грязь вместо хорошего цвета.

Поэтому предупреждаю: если вы начнете вводить новые краски сразу, не набравшись опыта, то вместо улучшения вы, скорее всего, получите ухудшение. А потому — не спешите. Начните писать только этими четырьмя красками и выжмите из них все, что сможете, а уж потом добавляйте другие нравящиеся вам цвета. Потихоньку, тщательно убеждаясь в их совместимости и стараясь не усердствовать.

Проще всего добавлять краски серии «Мастер-класс», поскольку внутри серии все краски полностью испытаны на совместимость, в то время как совместимость между сериями даже одной компании не гарантируется. Но если вы все же решите купить краску другой серии или другой компании, то не спешите использовать ее в картине.

Сначала поочередно смешайте эту краску с каждой краской из четырех основных и что-нибудь густо намажьте полученной смесью на холсте. Затем смешайте все четыре основные краски и новую краску и тоже что-нибудь намазюкайте. Потом повесьте этот холст на просушку и дайте ему подсохнуть с месяц, а лучше два-три.

Если за это время с красками на холсте ничего не произойдет, то есть высокая вероятность, что эти краски совместимы. Если же смесь отваливается, меняет цвет или еще что, то эта краска явно несовместима с вашим основным набором и вам придется выбросить ее или подарить.

Житейская мудрость.

Чтобы избавить себя от разочарования по поводу выброшенных на ветер денег, экспериментируйте с чужими красками, взятыми у друзей или знакомых на время смешивания-мазюкания. Если краска пройдет проверку, тогда купите себе такую же, ну а если не пройдет, то не велика потеря. ))

Ну что, полегчало? 🙂

Тогда удачи вам на пути в ваш мир живописи!

Татьяна Казакова

* Помню, когда я училась в художественной школе, мой учитель Кныжов Венир Романович ставил для нас натюрморт, и мы его писали только двумя красками – синей, коричневой, ну и конечно – белилами. В качестве синей я использовала голубую ФЦ, коричневой вроде была умбра жженая. К сожалению, фотографии того натюрморта у меня нет, но (с учетом нехватки опыта и ляпов) выглядел он великолепно, несмотря на «скудность» его палитры.

Вместо послесловия

История ЗКХ «Невская палитра»

В 1900 году в Россию из Англии был приглашен технолог Юлиус Фридлендер с целью организации в Санкт-Петербурге фабрики по производству масляных красок.

В 1934 году по инициативе работников Третьяковской Галереи на базе фабрики был образован первый в Советском Союзе «Ленинградский завод художественных красок». Уже в первый год работы завод выпускал сто видов красок — полную палитру, необходимую художникам для работ.

Постоянным консультантом завода был профессор Академии художеств Д.И. Киплик, а председателем художественного совета — художник И.И. Бродский.

Материалы завода используют для выполнения самых ответственных работ, в том числе и для реставрации ценнейших произведений живописи и памятников архитектуры: собора Василия Блаженного, Большого Кремлевского дворца, храма Христа-Спасителя, картин из собраний Государственного Эрмитажа, Государственной Третьяковской Галереи, древнерусских икон.

Продукция предприятия стала привычной для нескольких поколений художников в России, странах СНГ и Балтии, а также в Германии, Великобритании, США.

В 2004 году предприятие переименовано в завод художественных красок «Невская Палитра». Работая под новым именем, сотрудники по-прежнему считают своей главной задачей — производство лучших художественных материалов.

По экономическим показателям 2007 года завод художественных красок «Невская Палитра» внесен в сборник центра специальных проектов «Российская экономика», региональное развитие.

За высокий стандарт качества работы и вклад в экономическое и социальное развитие России, в 2008 году завод удостоен звания Лауреата Регионального этапа Премии «Во Славу Отечества» с вручением диплома в категории «Золото», в номинации «За доблестный труд во славу Отечества».

Добавить комментарий